舞蹈编舞

编舞，舞蹈创作和编排的艺术。这个词源自希腊语，意为“舞蹈”和“写作”。在17和18世纪，确实确实意味着舞蹈的书面记录。然而，在19世纪和20世纪，意义却不准确但普遍地发生了变化，而书面记录被称为舞蹈符号。

舞蹈：编舞

编舞是使舞蹈，将运动聚集和组织为有序和规律的艺术。最近的

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编排的简要方法如下。要获得全面治疗，请参见舞蹈：编舞；舞蹈，西方。

舞蹈的创作与音乐的创作具有相同的创造力。但是，舞蹈的符号是一种分析和报告的工作，通常由编舞者以外的其他人以创作者可能不理解的语言或符号来执行。

在文艺复兴时期，意大利的舞蹈大师，例如多梅尼科·达·皮亚琴察（Domenico da Piacenza），在法庭上教授社交舞蹈，并可能开始发明新的舞蹈或安排已知舞蹈的变体，从而将创造力与教育性结合起来。舞台芭蕾舞采用与社交舞蹈相同的步骤和动作，主要区别在于地板布置和视觉投影。

在16世纪，法国宫廷的舞蹈大师们组织了社交舞的地板图案以及戏剧和艺术情境，从而创立了一种舞蹈形式，即芭蕾舞剧de cour。在随后的两个世纪中，社交舞蹈和戏剧舞蹈之间的鸿沟不断扩大，直到19世纪的芭蕾舞获得了基本独立的词汇。

这个时代的芭蕾舞大师，编舞，是戏剧艺术的舞蹈编曲。18世纪后期的舞蹈艺术巨人是让·乔治·诺弗雷（Jean-Georges Noverre），他的作品和著作使戏剧性的芭蕾舞或芭蕾舞动作受到人们的欢迎。在这部作品中，芭蕾舞剧结合了哑剧和学术舞蹈，通过叙事和历史性语境表达了舞蹈。在Noverre和他的当代人Gasparo Angiolini之后，其他人以各种方式发展了这种趋势，尤其是让·道伯瓦尔（Jean Dauberval）对当代乡村人的真实描绘，查尔斯·狄德洛（Charles Didelot）向浪漫主义舞台上的幻想和幻想过渡，以及萨尔瓦多·维加诺（SalvatoreViganò）在合奏中的戏剧性运用（ choreodramma）和自然的悲剧姿态。

浪漫主义运动的编舞家雇用了卡洛·布拉西斯（Carlo Blasis）等大师编纂的芭蕾舞剧，主要是在诺弗尔时代的芭蕾舞动作戏曲形式或歌剧表演中（芭蕾舞剧插曲）。芭蕾舞女演员的角色因新发明的指尖工作（脚尖末端的平衡位置）而得到增强，而女芭蕾舞团也都崭露头角。最能发展戏剧舞蹈叙事艺术的编舞者是哥本哈根的August Bournonville。朱尔斯·佩罗特（Jules Perrot），尤其是在伦敦和圣彼得堡；还有马里乌斯·佩蒂帕（Marius Petipa），他在圣彼得堡通过《睡美人》等作品将壮观的古典芭蕾动作推向了高潮，其中扩展而复杂的古典舞套件为情节带来了诗意和隐喻的表达。

美国早期的现代舞蹈引入了运动和表达的新元素。在芭蕾舞剧中，米歇尔·福金（Michel Fokine）的作品强调了比佩蒂帕（Petipa）的芭蕾舞古典主义更自然的风格和更有效的戏剧形象。从那时起，编排形式在代表和抽象的两极之间发生了变化。

20世纪的舞蹈符号法不仅涉及基本动作，也涉及正式舞蹈，并受到新抽象符号系统的发明的辅助，其中最有影响力的是鲁道夫·冯·拉班和鲁道夫·贝内什。拉巴特语是第一个指出运动的持续时间，流畅度或强度的符号。如今，这些系统和其他系统继续快速发展，并通过胶片和录像带放大。

编舞的发展同样迅速。编排方法大相径庭：有些编舞者以舞者的即兴创作为原材料，另一些编舞则在排练前设计每一个动作。默斯·坎宁安（Merce Cunningham）彻底改变了编舞的语境，因为他对音乐和装饰的态度是偶然的（而不是协作或支持），在舞蹈创作和组织中使用偶然性方法，以及在非戏剧表演空间中的运用。他，乔治·巴兰钦（George Balanchine）和弗雷德里克·阿什顿爵士（Frederick Ashton）成为古典舞或抽象舞的主要代表人物。但是后两者-如玛莎·格雷厄姆（Martha Graham），莱昂尼德·马西尼（Leonide Massine），杰罗姆·罗宾斯（Jerome Robbins）等，也产生了编舞的主要代表作品。当今，编排的唯一绝对规则是，舞蹈应赋予舞蹈超越纯粹即兴创作水平的秩序，并应根据空间的三个维度和时间的第四维度以及人类的潜能来塑造舞蹈。身体。